Магія танцю в фотографіях Лоїс Грінфілд

Лоїс Грінфілд (Lois Greenfield) - це приклад того, як фотограф-самоучка, завдяки своєму погляду на мистецтво фотографії, отримала світове визнання. Широку популярність Грінфілд отримала завдяки своїм оригінальним фотографіям «застиглих» в русі танцюристів. Уже понад 40 років вона визнається в любові до мистецтва танцю через мистецтво фотографії. 

 

Її знамениті фотографії танцюристів, зняті під час руху, вражають усіх - краса і точність, вміння спіймати ту саму «мить» зробили Грінфілд всесвітньо визнаним майстром. Працюючи з поетикою танцю, вона дозволяє глядачам побачити те, що звичайне людське око в силу своєї будови не в силах відстежити. Серед шанувальників фотографа - найбільші бренди, з якими вона створювала рекламні кампанії (Adidas, Kodak, IBM, Rolex і безліч інших), найпопулярніші глянцеві журнали (Vogue, Vanity Fair, GQ, Esquire) і безліч поціновувачів мистецтва з усього світу.

Лоїс Грінфілд стверджує, що часто чує питання про використання в своїй роботі інструментів Photoshop, проте все, що ми бачимо, - це її вміння працювати з фототехнікою і талант. Вона ніколи не робить колажів, знімаючи моделей «в режимі реального часу» в своїй студії. Дуже складні пози, що здаються штучними, і застиглі в повітрі танцюристи, - вищий пілотаж фотографічної майстерності. Разом з тим, Лоїс Грінфілд не отримала професійної освіти.

Лоїс Грінфілд народилася у 1949 році в Нью-Йорку, завжди цікавилася фотографією і роботою вуличного репортера. Починаючи з 70-х років минулого століття, Лоїс, тоді ще молода дівчина, мріяла стати штатним фотографом National Geographic та знімала людей в різноманітних ситуаціях - в тюрмах, на рок-концертах. І одного разу, роблячи репортаж в газету, побачила майстерність танцюристів. Ніколи раніше не звертаючи уваги на цей вид мистецтва, Грінфілд зрозуміла, що відкрила для себе щось зовсім нове. До середини 1990-х років Лоїс знімала експериментальну сцену для Village Voice та інших замовників. Спочатку вона працювала з танцюристами під час репетицій і виступів, але швидко зрозуміла, що обмеження, які накладає така зйомка (недостатнє освітлення, неможливість працювати з усіх потрібних точок) сильно звужують її можливості.  

Лоїс Грінфілд хотіла працювати в студії, стверджуючи, що багато хто з її моделей там розкриваються навіть краще, ніж перед звичної аудиторією, виконують більш складні па, ніж зазвичай. Викликаючи деякі асоціації з Анрі Картьє-Брессоном, вона не тільки відображає дійсність, а й продовжує її за допомогою своєї уяви. Фотограф не робить статичних, вивірених знімків, - навпаки, її майстерність і полягає в тому, щоб відстежити, «зловити» і «заморозити» ідеальний кадр, що відображає спонтанність і експресію, властиві живим людям. 

photo by Lois Greenfield

Фотограф у своїй роботі завжди покладається на імпровізацію, творче начало, яке розкривається в момент взаємодії танцюристів і камери. Вона провела останні понад 40 років, досліджуючи здатність фототехніки переводити об'ємне зображення у двомірний простір, працюючи за межами класичної хореографії з її формалізмом і обмеженнями. Результатом завжди стають зображення, що кидають виклик раціональному, - як і задумувала Лоїс. 

Лоїс  працює лише із ручними налаштуваннями, не використовує спортивний режим фотокамери для отримання потрібних кадрів. Замість того, щоб використовувати численні настройки і можливості сучасної техніки, вона вважає за краще захопити лише один момент, після чого просить моделей перегрупуватися або повторити рух знову, і знову, і знову. Наприклад, для знаменитої фотографії до джазового фестивалю JVC, на якій виконавець нібито злітає разом із контрабасом, інструмент зафіксували на підлозі, а Грінфілд робила попереднє «пристрілювання» за допомогою фотокамери «Полароїд», щоб зрозуміти, яким повинен бути кадр в результаті. 

Лоїс Грінфілд часто використовує в роботі дзеркала, роблячи відображення в них частиною композиції, наділяючи знімки власної внутрішньої експресією. Дзеркало «збирає» кадр, окреслює його структуру і розширює можливості. 

Для танцюриста, який використовує на сцені величезну кількість газетних обривків, що піднімаються в повітря за допомогою 36 промислових вентиляторів, Грінфілд створила міні-торнадо. У його центрі - позує герой. Обличчя його, приховане у вихорі паперу, символізувало, за словами фотографа, стихію людських пристрастей.

Для фотопроекту HELD (2004-2007 рр), організованого Гаррі Стюартом і Австралійським театром танцю, Лоїс змогла поставити героя на голову, зафіксувавши єдиний, найточніший момент, коли тіло моделі і падаючі пінопластові кульки перебували в гармонії один з одним. Через деякий час вдалий експеримент повторили, а результати були представлені в Сіднейській опері, нью-йоркському The Joyce Theatre, а також в Парижі, Лондоні і Токіо. 

Лоїс Грінфілд продовжує жити і працювати в Нью-Йорку і співпрацює не тільки з відомими комерційними замовниками (такими, як Pepsi, Procter and Gamble, Disney), але і з виставковими центрами та музеями.

У 2015 році, наприклад, було організовано виставку в Лафайєтт-коледжі. Фотограф працює з Нью-Йоркським університетом, часто читає лекції і виступає на семінарах. Грінфілд - лауреат багатьох спеціальних премій, у тому числі Dance in Focus, яку отримала в 2016 році.

Багато танцюристів і танцювальних колективів ставали об'єктами її інтересу, а ще більше - мріють про це. Лоїс Грінфілд не схожа на інших фотографів, її знімки надзвичайно впізнавані, притягують погляди і примушують розгадувати їх знову і знову. Важко уявити собі, що вони - не продукт новітніх високих технологій, а результат праці і уяви тендітної жінки, але це так. 

До речі, для тих, хто розвиває свій авторський стиль і хоче творити "зі смаком", в Київській Школі Фотографії є курс «100 прийомів арт-фотографії», а також курс «Креативна фотографія. Чотири стихії».

 

Макс Уолдман (Max Waldman) – один з найяскравіших представників фотографії ХХ століття.

Цей видатний майстер присвятив життя дослідженню і зображенню самої суті руху, ставши одним з небагатьох, кому вдалося вкласти його в рамки свого кадру. Крім того, його роботи характеризуються як майстерна гра з текстурами, формами і світлом, і зображений на них фантастичний світ надовго западає в душу глядача.  

Альбоми майстра «Waldman on dance» і «Waldman on theater» стали підручниками для сучасних фотографів. Але водночас, роботи Уолдмана не так вже і просто знайти на просторах Інтернет.  

Макс Уолдман народився в Брукліні, Нью-Йорк, у 1919 році в сім'ї румунських емігрантів. Дитинство майбутнього майстра було доволі трагічним: його батько помер, коли хлопчикові було 8 років, а мати, усвідомивши, що не в змозі утримувати п'ятьох дітей, віддала їх до притулку. Але суворі реалії життя не зломили творчу натуру Уолдмана: наприкінці 1930-х років, під час служби в Цивільному корпусі охорони природних ресурсів, він жваво захопився фотографією, і згодом на кілька років занурився у вивчення витончених мистецтв - живопису, скульптури та фотографії. Він навчався у різних навчальних закладах США. Саме тоді він полюбив читання, живопис і класичну музику. Твори Шекспіра, роботи художників Ієроніма Босха, Франсіско Гойї, Оноре Дом'є, Рембрандта надали особливо сильний вплив на його художній світогляд.  

З поїздки до Флориди в 1947 році Уолдман привіз першу серйозну роботу - фотоесе «Color town» («Кольорове місто»), присвячену життю темношкірого співтовариства. Фотографу вдалося показати не лише незавидні соціальні реалії цього прошарку американського населення, а й силу духу і почуття власної гідності людей, які живуть в тісноті і бідності.  

Max Waldman - Color town
Max Waldman - Color town
 

До початку 1950-х років Макс Уолдман вже став успішним комерційним фотографом, що спеціалізувався на індустріальній і fashion-зйомці. Але це було занадто скромним досягненням для його багатої натури - і в середині 60-х років він залишив свою успішну кар'єру, заради того, щоб «знімати те, що хотів сам». Він переїхав до студії на Манхеттені, яку описував як «кімнату 5 на 6 метрів із білими стінами, стелею висотою в 3 метри і сповнену світла», де приступив до реалізації своїх творчих планів.  

 У 1960-х роках Уолдман захопився театральної фотографією і швидко досягнув значних успіхів. Уолдман завжди пристрасно любив читати, особливо його захоплювали твори Шекспіра і книги з естетики та історії мистецтв. Його близький друг Олівер Дарлінг описував Макса як «самоука, вкрай рішучу людину, перфекціоніста і великого любителя театру і класичної музики». На початку 1960-х років друзі почали разом відвідувати авангардний театр, де фотограф познайомився з такими акторами як Розмарі Харріс, Елай Воллак, Енн Джексон, Зеро Мостел і Гарольд Пінтер. Його перша фотокнига «Зеро Мостел» ( «Zero by Mostel»), опублікована в 1965 році, складається з портретів актора в різних образах.

Waldman On Theater

Вибір Уолдманом театральних і танцювальних сюжетів для фотографій не є випадковим. Потяг до темної сторони людського життя, відображеної авангардним театром, чітко простежується в його фотографіях п'єси Пітера Вайса «Переслідування і вбивство Жана-Поля Марата, представлене акторською трупою госпіталю в Шарантоні під керівництвом пана де Сад». Твір про притулок для божевільних у Франції став для Уолдмана ідеальним провідником до самовираження. Обраний ним стиль - зерниста структура знімків, драматичний світ і густі тіні - підсилюють настрій постановки. Світло, що огортає акторів, не менш важливе в зображенні, ніж самі фігури, і буквально приковує увагу глядача.  

Ці фотографії закріпили за Уолдманом репутацію майстра, який творчо інтерпретує театральне мистецтво. У 1967 році серія була представлена на виставці в Музеї сучасного мистецтва, де межувала з роботами видатних фотомайстрів того часу. Критики відгукувалися про ці роботи Уолдмана як про «чуттєву, виразну і похмуро завуальовану інтерпретацію сутності та образності театру», а сам майстер відчував, що його художній підхід нарешті був оцінений повною мірою.
У 1971 році публікується книга «Waldman On Theater» ( «Уолдман в театрі»), і за фотографом остаточно закріплюється слава самородка театральної фотографії. У студії майстра побували буквально усі - однак, незважаючи на популярність, продовжувати творити йому було вкрай непросто. Старший брат митця, Морріс Уолдман, розповідав про те, що без його фінансової підтримки його геніальному братові просто не було б що їсти.

Досліджуючи способи досягнення виразності кадру, Уолдман захопився ню-тематикою. Він прийшов до висновку, що оголеність моделі - це інструмент, здатний посилити драматичне враження від сцени, довести напругу, що виходить від знімка, до межі. Підтвердженням тому є серія фотографій «After Eden» ( «Після Рая»).  

Max Waldman photography

Уолдман продовжив досліджувати драматичні можливості людського тіла в серії «Experimental nude» («Експериментальне ню»). Оголена натура в ній бере участь, наче якась складна абстрактна форма. При цьому, «абстрактна» аж ніяк не означає «позбавлена виразності»! Ніде не показавши обличчя моделі, майстер довів, що людське тіло може передавати емоції і створювати настрій саме по собі.  

У 1970 році відбулася доленосна для майстра подія - журнал Life замовив Уолдману зйомку прими-балерини Наталії Макарової, яка емігрувала з СРСР. Фотограф вибрав для цієї зйомки образ вмираючого лебедя зі знаменитого балету і блискуче впорався з поставленим завданням: птах у польоті над прірвою; болісний і пронизливий момент останнього змаху крил; рух і спокій. Критики захоплено писали: «З фотографії вмираючого лебедя у виконанні Макарової звучить музика, нерухомі знімки викликають рух в серцях глядачів», «Його геніальність передає поетичну суть однієї форми мистецтва в інший, роблячи швидкоплинні миті надбанням вічності». Саме так почалася любов фотографа до світу танцю.

Уолдман вважав, що фотографувати танець складніше, ніж театральні вистави, де він міг контролювати, безпосередньо направляти акторів. «Я ніколи не можу бути впевненим, що зловив квінтесенцію танцю», - скаржився він, - «завжди сподіваюся на те, що станеться диво». І «чудеса» регулярно відбувалися - сольна партія Джудіт Джеймісон «Плач»; переплетені тіла Сьюзан Фарелл і Пітера Мартінса в «Післяполудневий відпочинок Фавна»; романтична трагедія «Ромео і Джульєтта» у виконанні Гелс Керкленд і Івана Наги... Вихоплений пік моменту руху, каліграфічність лінії в просторі, настрій цих знімків у всій повноті відображають посил танцю і безпомилкове художнє чуття фотографа.  

Зйомки танцюристів нарешті допомогли Уолдману стати фінансово незалежним. У 1977 році вийшла його нова книга «Waldman on dance» ( «Уолдман про танці»). Люди жадали побачити його роботи, а самі артисти палко бажали бути увічненими Уолдманом і напливом стікалися в його фотостудію зі сценічними костюмами в руках, готуючись станцювати для єдиного глядача.  

У 1981 році Макс Уолдман пішов з життя, залишивши сотні чудових фотографій. Його роботи представлені у таких місцях, як Нью-Йоркська публічна бібліотека, Музей мистецтв Ла Джолла та Музей мистецтва троянд університету Брандей. Багато фоторобіт Уолдмана перебувають у великих приватних та державних колекціях, включаючи Музей мистецтв Метрополітен, Музей сучасного мистецтва в Нью-Йорку та Будинок Джорджа Істмена.