В 2015 году World Press Photo и the Reuters Institute for the Study of Journalism опубликовали исследование, которое подтвердило, что фотожурналистика продолжает оставаться «мужской»: с 1556 респондентов 85% оказались мужчинами. За последние несколько лет ситуация изменилась. В 2016 году правительство Великобритании опубликовало отчет, который показал, что 39,9% фотографов - женщины. Год спустя фотограф-документалист Даниэлла Зальцман выступила с инициативой Women Photograph, чтобы обратить внимание на женщин в профессии. Тогда же Ребекка Дуглас написала письмо в Nikon и выразила свое разочарование: на презентации D850 камеру протестовали 32 фотографа, среди которых не было ни одной женщины.

Имоджен Каннингем

Imogen Cunningham (1883-1976) - американская фотографиня, известная снимками растений, обнаженной натуры и промышленности, одна из основателей неформального объединения калифорнийских фотографов «Группа F / 64», в которую входили Ансель Адамс, Эдвард Уэстон, Уиллард Ван Дайк и другие . Имоджен Каннингем стала одной из первых женщин, осмелившихся назвать фотографию своей профессией. 

Входит в список ключевых фотографов первой половины ХХ века. Ее карьера началась в 1901 году в студии Эдварда Кертиса в Сиэтле, где она печатала снимки. В 1909 году Имоджен отправилась в Германию в Высшую техническую школу, а по возвращении открыла в Сиэтле собственную портретную галерею, которая очень быстро завоевала популярность. Имоджен по-настоящему шокировала местную публику, опубликовав свой автопортрет в стиле ню. С тех пор обнаженная натура стала ее любимым жанром, хотя и не единственным. 

Обнаженная натура Имоджен Каннингем

Многие снимки Имоджен носили скандальный характер. Она одной из первых начала фотографировать беременных женщин - во времена, когда демонстрировать интересное положение считали неприемлемым. Столкнувшись с массовым неодобрением своей работы, Имоджен бросила эксперименты с ню и вернулась к одному из первых творческих интересов - ботанической съемки. Она отказалась от коммерческой фотосъемки портретов, но сделала множество фотографий растений, которые прославили ее по всему миру.

Салли Манн

Sally Mann (1951 г.р.) - одна из самых выдающихся и противоречивых американских фотографов и обладательница многочисленных наград в области фотоискусства. Больше всего она известна черно-белыми фотографиями своих детей, а также пейзажами и снимками, посвященными теме разложения и смерти.

 

Салли Манн получила степень бакалавра по литературе в колледже Холлинс, но все же свою жизнь решила связать с фотографией. Ее творческая карьера началась со снимка обнаженной одноклассницы. Известность пришла к ней после публикации серии фотографий «Ближайшие родственники», состоявшая из 65 кадров, на которых были изображены в основном отдыхающие члены семьи Салли. 

Очень часто она создавала что-то такое, что не всегда находило понимание в обществе. Например, снимки своих обнаженных детей, многие критиковали, Салли вовсе не считала чем-то противоестественным. Она бралась за разные жанры фотографии, в том числе и пейзажи, которые также вызвали время полярные мнения. Там где она видит невинность, безмятежность детства, красоту, - для многих это нарушение границ дозволенного.

Из книги Immediate Family by Sally Mann

 

Мартина Франк

Martine Franck (1938 - 2012) - одна из самых известных фотохудожниц XX века и первая женщина, ставшая членом легендарного агентства Magnum. Она запечатлела борьбу женщин за свои права и посвятила свое творчество тем, о ком общество предпочитает забыть. 

Мартина Франк

Эта талантливая женщина была спутницей жизни легендарного фотографа Анри Картье-Брессона. Мартина родилась в Бельгии, изучала историю искусства в Университете Мадрида и в Школе Лувра в Париже, свою фотографическую карьеру она начала в 1963 году в парижском Time-Life, выступая в качестве ассистента, но очень скоро погрузившись в самостоятельные съемки мира моды и театра . Она начала свою карьеру в качестве замечательного фотографа, проработав помощником многих легендарных мастеров. 

Она работала в жанрах портретной, ландшафтной и репортажной фотографии. Она висвитлювала борьбу женщин за свои права, а любимой темой ее творчества стали трогательные портреты пожилых людей. Она часто делала акцент на оживленном взгляде и выражения лица в же немолодого человека, подчеркивая силу личности.

Ее уникальному стилю присуща тщательная построение кадра и композиции. В отличие от многих фотографов того времени, которые в погоне за сенсацией соревновались с телевидением, Франк создавала фотографии вне времени, которые и сегодня не теряют своей актуальности

Беттина Реймс 

Bettina Rheims (1952 г.р.) является популярной и авторитетной французской фотографинею.

Беттина Раймс

Родилась Беттина Реймс в Париже в респектабельной семье. Ее отец Морис Реймс был известным историком искусства, несомненно заложило основы ее любви к фотографии.
До того, как стать фотографом, Беттина работала моделью, журналистом и галеристкой. Известная, как ведущий фотограф-портретист музыкантов и актеров. Свою творческую карьеру она начала еще в 1978 году, в то время Беттина фотографировала стриптизерш и акробаток, именно эти картины выставлялись на ее первой выставке. 

Беттина Реймс прославилась как фотограф, чьи работы поразили эстетическими канонами женского портрета, объединив красоту и несовершенство в одном снимке. Она фокусирует внимание на женском теле, погружая его в бессмысленную обстановку, заставляя обнажаться и принимать искусственные, провокационные позы. Ее творчество можно назвать скандальной и революционной. 

Беттина неоднократно поднимала тему извращения, например в фотоистории Chamber Close, рассказанной от имени парижского вуайериста, или в серии снимков INRI, отразившей библейские сюжеты в повседневной жизни транссексуала. В 90-х она свела в культ андрогинный образ девочки-подростка и сделала стиль унисекс постояльцем журнальных страниц, сдвинув классическую сексуальность.

Кандида Хефера

Candida Hoefer (1944 г.р.) - одна из признанных классиков современной немецкой фотографии, выпускница Дюссельдорфской Академии Искусств и ученица Бернда и Хиллы Бехер. Широкую известность ей принесли фотографии интерьеров общественных зданий, в которых художница пытается поймать связь между человеком и пространством, в котором она существует.

Пустынные общественные интерьеры в работах Кандиды Хефера представлены вне своей функцией, они застыли в формальной совершенства. За счет поднятой точки съемки и долгой выдержки создается ощущение, что от взгляда не ускользает ни одна деталь. Выверенная, симметричная композиция, белое холодный свет (фотохудожница использует только те источники освещения, которые есть на месте съемки) смягчают тяжесть безмолвия. Это интенсивное и глубокое переживание пустоты.

Фотографии Хефера выглядят привлекательными и одновременно отталкивают зрителя. Трудно представить себя в пространстве этих снимков: они не апеллируют к телесному и эмоционального опыта, но призывают к максимально сосредоточенного зрительного понимания. Побочный, заинтересован взгляд в работах Кандиды Хефера - это главное условие эстетического восприятия.

Сабина Вайс

Сабина Вайс

Sabine Weiss (1924 г.р.) - бесспорный авторитет в мире фотографии, чьи выставки неизменно проходят с аншлагами, а сделанные ею снимки хранятся в музеях по всему миру - в Нью-Йорке, Париже, Лондоне, Цюрихе, Чикаго, Киото .. . 

Родилась Сабина Вайс в Швейцарии и начала фотографировать в 12 лет, купив первую камеру на карманные деньги. Сначала ей помогал отец, позже она освоила фотографическую технику под руководством Фредерика Буассон и в 1946 году переехала в Париж. Сотрудничая с массой европейских и американских изданий, она публиковалась в Vogue, Match, Life, Time. Она путешествовала по миру в качестве фотожурналиста. 

Ее работы, преимущественно черно-белые, характеризуются жестким кадрированием, особым светом и настроением. Ее привлекала повседневность, она любила человеческие эмоции, смешивая поэзию и точное социальную наблюдательность. Она превратила фотографию в стиль жизни: длинные прогулки по улицам, ночью, в поисках сюжетов - самых разнообразных, но всегда касаются человека. Сабина Вайс вошла в группу так называемых фотографов гуманистов. 

Яркой иллюстрацией ее таланта служит история с одной из самых известных фотовыставок в истории. Речь идет о биеннале «Семья людей» (1955 г.), Для которой самые фотографы со всего мира прислали более 2000000 снимков. Однако в окончательную версию выставки вошли только 503 работы, и автором трех из них была Сабина Вайс. Сама она признается, что ей всегда больше интересовали естественность ситуации и настоящие чувства людей. Поэтому она и не скрывала своего прохладного отношения к современной фотографии, слишком восторженной, по ее мнению, конструированием кадра и объектов в нем.

Сара Мун

Сара Мун предпочитает статику. Она старается не поймать движение в динамике, а зафиксировать момент. Фотохудожница отмечала, что идеальным для нее был бы кадр, где абсолютно ничего не происходит. Но таких снимков нет, ведь у всего есть какой-то начало.

Вивиан Сассен

Viviane Sassen (1972 г.р.) - одна из самых интересных фигур в современной модной фотографии. Голландская художница, живущая в Амстердаме и работает как в мире фотографии моды, так и в изобразительном искусстве. 

Она известна тем, что использует геометрические фигуры, часто абстракции тел. Ее образы яркие, изобретательные и сюрреалистические. Ее уникальный визуальный стиль построен на сочетании глубокого чувства пластики и работы с тенями. Размывая границы между рекламой, модой и искусством, а также документальной фотографией, соблазнительные и тревожные изображения Сассен вызывают у зрителей эмоциональный конфликт. Фотографии Вивиан Сассен можно увидеть в Музее современного искусства в Нью-Йорке и на страницах журналов Vogue, Purple Diary и Pop, она снимала кампании для Acne Studios и Missoni. Вивиан Сассен входит в список 100 современных женщин-фотографов, избранных Королевским фотографическим обществом Великобритании.

Ильзе Бинг

Среди фотографов, которые сформировали современное культурное поле и систему взглядов на искусство, не так много женщин, и уж тем более тех, кто работал с узкоформатный камерами. Ильзу Бинг (Ilse Bing) (1899 - 1998) называли «королевой Leica» - именно такой редкий представитель профессии, чьи годы творческого расцвета пришлись на эпоху между двумя большими войнами ХХ века. 

Ильза Бинг родилась во франкфуртской еврейской семье. Она не сразу осознала в себе призвание. Уважаемый и уважаемая родня готовила девочке, несомненно, достойный путь - Ильза училась в известном местном университете и изучала физико-математические дисциплины. Вскоре они ей надоели и девушка перевелась на факультет искусств. 

Собирая материал для работы, она и взяла в руки камеру. Сначала это была модель Voigtlander, а вскоре ее сменила небольшая и компактная Leica. В то время фотокамера продавалась всего три года, но уже прославилась революционным 35-миллиметровым форматом и возможностями для ручной съемки движущихся объектов. 

Создав большинство своих наиболее известных работ в авангардистском Франкфурте и Париже, увлеченная сюрреализмом, она дополнила эти течения своим ни на что не похожим видением. 

Монохромные, геометрические, со сложной, ломаной композицией и тревожным настроением фотографии Ильзы Бинг - настоящие произведения искусства. Они многослойные и необычные. Автор часто использовала нетипичное для того времени кадрирование, задействовала резкость естественного света и смело работала с перспективой.

Диана Арбус. Франческа Вудман. Миша Гордин. Поразительные фотографы 20 века

Диана Арбус (англ. Diane Arbus, 1923—1971) — американский фотограф еврейского происхождения. Каталог работ Арбус, выпущенный журналом Aperture, является одним из самых раскупаемых в истории фотографии.

Диана Арбус (урождённая Диана Немеров) родилась 14 марта 1923 года в районе Гринвич города Нью-Йорк, США в семье по фамилии Немеровы и росла вблизи престижных нью-йоркских районов Парк-Авеню и Центрального Парка. Её семья владела меховым магазином под вывеской Russeks (девичья фамилия матери Дианы) на пятой Авеню, где вместе с настоящим мехом продавались подделки под одежду знаменитых дизайнеров, вроде Chanel. 

В 1930-е годы Диана посещала Школу этической культуры (Ethical Culture School), а чуть позже — Филдстонскую школу (Fieldston School), где и были впервые замечены её таланты к изобразительному искусству. Таланты эти всячески поощрялись отцом Дианы: он специально просил личного иллюстратора Russeks, Дороти Томпсон, регулярно заниматься с Дианой. Мисс Томпсон изучала изобразительное искусство на курсах известного берлинского художника, графика и карикатуриста Георга Гросса; позже Арбус не раз признавалась в своей любви к его творчеству. В 1937 году Диана встречает будущего актёра Аллана Арбуса и немедленно изъявляет желание выйти за него замуж. Дабы помешать этому, родители Дианы отсылают её в 1938 году на летние курсы в Каммингтонскую школу искусств, где Диана знакомится с Алексом Элиотом (Элиот в 1947 году займёт пост художественного редактора журнала Time). Алекс Элиот стал второй большой влюблённостью Дианы. 

В 1941 году восемнадцатилетняя Диана против воли родителей выходит замуж за Аллана Арбуса. Замужество казалось Диане единственной возможностью сбежать из-под влияния родителей. У супругов родились две дочери: Доон (в 1945) и Эми (в 1954). Диана проводила с ними очень много времени. Чтобы прокормить семью, Аллан работал на двух работах продавцом, а параллельно пытался подрабатывать фотографом, хотя всю жизнь мечтал играть в театре и кино, но из-за семейных обязанностей от этой своей мечты Аллану пришлось отказаться. В 1943 году Аллан Арбус закончил армейские курсы фотографов. 

Под влиянием и с помощью мужа Диана в 1946 году становится фотографом моды: первые заказы она получает от своего отца, который частично помогает с финансированием их фотографического оборудования. В 1947 году супруги были представлены руководству издательства Конде Наст: здесь им было поручено сделать для журналов Vogue и Glamour серию фотографий о пуловерах.

В своей совместной работе Аллан всегда отвечал за сам процесс съёмки и технические стороны; Диана же выступала как автор концепции съёмки, стиля. Благодаря их невероятной слаженности при работе их часто принимали за кузена и кузину. Фэшн-фотография тех лет очень сильно ориентировалась на цветовые нюансы, неподвижность и жёсткую освещённость, однако чета Арбус всегда выступала за неформальный подход к процессу. В своей работе они пытались сломать устоявшиеся рамки модной фотографии. В 1951 году они целый год путешествуют по Европе. Диана открывает для себя возможность самовыражения и выражения своего видения мира с помощью фотографии. Вместе с мужем она готовит свои фотоработы для парижского Vogue. В середине 1950-х Арбусы знакомятся с Ричардом Аведоном, который уже тогда был образцовым фотохудожником. Долгое время Диана и Аведон оставались друзьями и почитателями работ друг друга. Однако сама Диана была недовольна своими работами. 

В это время у неё обостряются тяжёлые депрессии, которые с некоторыми перерывами заставляли её страдать с самого детства. Неудовлетворённость достигнутым в работе усиливает боли. Аллан поддерживает свою жену, однако после очередного нервного срыва в 1957 году они решают перестать работать вместе. Диана начала работать самостоятельно, в то время как Аллан продолжал вести дела их студии. Но после профессионального разрыва спустя год последовал и личный. Диана и Аллан продолжали оставаться друзьями, и развелись лишь в 1969 году, когда Аллан захотел жениться во второй раз. 

 Диана в одиночку пытается найти свою тему в фотографии. Она посещает несколько мастер-классов известных фотографов, однако по большей части остаётся недовольна. На курсах австрийского фотографа Лизетты Модел, ставшей знаменитой благодаря своим портретам из ночной жизни города, она слышит предложение мадам Модель «фотографировать экстремальное». Как следствие, Диана в поисках натуры для подобного «экстремального» обнаруживает несколько нью-йоркских клубов с трансвеститами, где находит своих первых моделей. 

В конце 1950-х годов Диана Арбус представляет ряду журналов свои первые работы на новую для себя тему.

Знаменитый писатель Норман Мейлер, увидев первые работы Арбус, сказал: «Давать Арбус камеру — всё равно что разрешить ребёнку играть с гранатой». В десятилетие между 1960 годом и вплоть до своей смерти в 1971 Диана Арбус зарабатывала себе на жизнь в основном в качестве свободного фоторепортёра для различных журналов. Никаких других возможностей заработать денег фотографией в то время не имелось: музеи и галереи той эпохи ещё не открыли для себя этот вид искусства как приносящий прибыль и интерес публики. Собственно, как вид искусства фотография вообще не воспринималась. Практически все фотографы того времени вели по сути двойную жизнь: пять дней в неделю они делали фотосъёмки для газет и журналов, а на выходных занимались тем, что в их понятии подразумевалось под творчеством. 

 Диана Арбус была одной из самых смелых, кто пытался (причём успешно) навязать заказчикам авторское видение и свой собственный стиль в фотографии. Успех был во многом обусловлен и тем, что многие вещи, которые она запечатлевала, становились доступными остальному зрителю исключительно благодаря её статусу репортёра прессы. Одновременно с этим во многих изданиях того периода растёт готовность к эксперименту: одними из первых таких изданий для Арбус стали журналы Esquire и Harper’s Bazaar: здесь не побоялись в своё время перейти от литературных произведений к жанру репортажа, и работы Арбус оказались очень кстати. Вслед за этими изданиями публиковать работы Арбус начали New York Times, Sports Illustrated, Show, Herald Tribune и другие. После её первых работ для Esquire (под названием «Вертикальное путешествие») и Harper’s Bazaar («Завершение круга») в течение 11 лет было опубликовано более 250 её журнальных работ и свыше 70 снимков для газетных статей. Зачастую Диана работала и над текстами статей. 

 Большое влияние на Арбус оказал вновь открытый в 1961 году после долгого забвения фильм Тода Броунинга «Уродцы» (Freaks, 1932), в котором снимались наряду с обычными актёрами циркачи с экстремальными физическими отклонениями. Впоследствии Арбус приложила значительные усилия, чтобы познакомиться с такими людьми, добиться их доверия и согласия позировать для фотосессий. В 1963—1966 годах её деятельность была поддержана Музеем Гуггенхайма. С 1968 года Диана регулярно работает с журналом Sunday Times Magazine. Этот журнал совместно с другим популярным изданием Nova решает в 1970 году пожизненно финансировать жизнь Дианы Арбус в Англии. В том же году Диана начинает работу над своей знаменитой серией о людях с физическими уродствами, получает Премию Роберта Льюиса от Американского общества журнальных фотографов, однако в этот период её здоровье начинает стремительно ухудшаться. После перенесённого в 1966 и 1968 годах гепатита у Дианы обостряются приступы депрессии и, несмотря на длительные курсы терапии, боли усиливаются. Упомянутая ранее Лизетта Модел однажды высказала мнение о том, что Арбус страдала одним из видов шизофрении. Причина болезни могла крыться в обсессивных и неразрешимых ожиданиях от работы, которые питала Диана. 

26 июля 1971 года Диана Арбус приняла большую дозу барбитуратов и вскрыла себе вены на руках. 

Темой творчества Арбус были сюрреальность, больные и покалеченные люди в их повседневности. Она фотографировала тех, кто по мнению общества, являлся его аутсайдерами: трансвеститов, карликов, проституток, душевно и физически ущербных людей. Запечатлевала Диана и обычных людей, однако её камера всегда придавала их позам некую отчуждённость, неспокойность. Арбус никогда не принуждала своих персонажей к позированию, а всегда давала им пространство и время, для того, чтобы те нашли своё место перед её камерой. Фотографии Арбус нельзя назвать ни постановочными фотографиями, ни произвольной съёмкой, однако всегда в её кадре возникали образы гротескные, отталкивающие и необычные даже в повседневности. В создании атмосферы непривычного из самого повседневного Арбус развивала подход Р. Ю. Митъярда. 

Арбус с 1962 года использовала в съёмке марку Rolleiflex, что приводило в процессе работы к увеличению негативов с формата 35 мм до размеров 6х6 см. Этот пассивный квадратный формат соответствовал её центрированной в композиционном смысле манере съёмки, и негатив оказывался наполненным большим количеством деталей. Диана Арбус не ориентировалась на работу в студии: выбор подходящей камеры, освещения объекта и строго продуманная композиция противоречили принципу «случайной композиционности», которого придерживалась Арбус. Её работы, с необычным светом и тенью, в своей эстетике «мгновенности кадра» всегда противопоставлялись господствовавшей тогда философии идеально выстроенного кадра.

b2ap3_thumbnail_Diana-Arbus-8.jpg

Франческа Вудмен 

(англ. Francesca Woodman; 3 апреля 1958, Денвер — 19 января 1981, Нью-Йорк) — американский фотохудожник, дочь живописца и фотографа Джорджа Вудмена и художницы-керамистки Бетти Вудмен. 

Фотографии Вудмен — на них она чаще всего снимала себя в сложно организованном, фантасмагорическом интерьере c окнами и зеркалами, придавая снимку характер своеобразного барочного перформанса, — сосредоточены на проблеме самой возможности изображения, природы и границ зрительного образа. Испытала воздействие живописи и фотографии сюрреализма, автопортретов Ремедиос Варо, Фриды Кало, но в особенности фоторабот Ханса Беллмера, из американских мастеров — Кларенса Джона Лафлина и Р. Ю. Митъярда.

Франческа начала фотографировать в 13 лет и не расставалась с камерой до самой смерти в 22 года, когда после длительной депрессии, сорвавшейся попытки суицида и неудачного психиатрического лечения она вышла в окно высотки на Манхэттене. За свою молниеносную жизнь она сделала около 800 фотографий, большинство из которых – обнаженные автопортреты в мрачных сюрреалистичных тонах. До сегодняшнего времени было обнародовано не больше четверти ее архива, но это не помешало критикам назвать Вудман последним модернистским фотохудожником и продолжательницей традиций Рене Магритта, Ман Рея, Ханса Беллмера и Клод Кахун. 

В детстве не раз и подолгу жила с родителями в Италии (Флоренция). В 1975-1979 училась в Род-Айлендской школе дизайна, в 1977-1978 по стипендии Школы провела год в Риме, часто посещала авангардную книжную лавку-галерею «Мальдорор», где и состоялась первая выставка ее работ. В 1981 опубликовала в Филадельфии серию фотографий «Несколько образцов расстроенной внутренней геометрии», оставшуюся единственной прижизненной публикацией. Покончила с собой, выбросившись из окна дома в Ист-Энде на Манхеттене. Первая большая персональная выставка была организована в Провиденсе в 1986.

b2ap3_thumbnail_woodman_1.jpg

Миша Гордин

«Должен ли я обратить свой объектив на внешний мир, который нас окружает, или внутрь себя? Должен ли я фотографировать существующую реальность или создать свой собственный мир, правдоподобный, но несуществующий?..». С этим вопросом, касающимся истинной природы фотографии, Миша Гордин знакомит зрителя со своими работами.

(Misha Gordin) родился в 1946 году в Риге. Окончил Латвийский технический колледж по специальности авиационный инженер, но никогда не работал по профессии. Русская культура стала для него одной из основных в формировании мировоззрения в юном возрасте. Закончив авиационный колледж, сначала разрабатывал дизайн для спецтехники. Подростком не слишком интересовался искусством, поскольку в стране господствовал социальный реализм, а информация о мировом модерне практически отсутствовала. 

Снимать начал очень рано - в 19 лет. Вскоре Гордин покинул страну: в то время творить в СССР что-то концептуальное было практически невозможно. В 1974 году Гордин Гордин переехал в Нью-Йорк, где живет и работает по сей день.  

Для Миши Гордина концептуальная фотография - это способ художественного выражения, который находится на том же уровне, что и живопись, скульптура, поэзия или музыка. Он объясняет это так: «Плохой концепт, даже при идеальном исполнении, все равно ведет к плохой, бедной фотографии...». 

Для Миши Гордина процесс создания фотографии похож на «написание поэмы». Он использует старые, традиционные техники изобразительного искусства для передачи изысканных темных миров и загадочных аллегорий. Через концептуальную фотографию Гордин поднимает такие важные вопросы в искусстве и жизни, как рождение, смерть и природа существования.

b2ap3_thumbnail_misha-gordin-2006.jpg